Après une immersion durant plusieurs mois dans les travaux de Chris Marker, j’ai décidé de retourner sur les traces du film « la jetée ». De l’impossibilité de retrouver, 45 ans après, les plans, les lieux, les dispositions et les objets du film, évidemment disparus où totalement transformés, est née une méditation sur cette quête impossible des images de la mémoire : « Le jardin ».
W est un hommage au genre cinématographique Western (le fameux « horse opera ») et également à l’un des plus grand philosophes du 20e siècle : Wittgenstein.
W est basé entièrement sur des plans, extraits de films du domaine public accessible sur le site archive.org, et représentant un individu, homme ou femme, chevauchant un cheval.
La légende veut que Wittgenstein, après d’harassants travaux philosophiques à Cambridge, aimait à se relaxer devant des Westerns, assis le plus souvent au premier rang.
Tout est partit d’une recherche sur les travellings, les travellings qui pensais-je étaient très répandus dans les Westerns. Je m’imaginais des images de canyons défilants, mais il n’y en a pas, car il n’y y a pas de train. Le travelling, c’est le train. En parcourant des films de Western téléchargés sur archive.org, ces films qui ont construit mon imaginaire de l’West que je ne connais pas, étant pourtant né dans l’Ouest, mais à Lorient… Dans ces films de Western, ce fut mon constat très vite, il n’y a que des hommes qui chevauchent dans la plaine, qui vont et viennent. Il y a un espace à explorer inlassablement, sans fin, rythmé par les sabots du cheval. Il n’y a dans les Westerns que des respirations de cette sorte, des longues séquences inutiles, absurdes, qui montrent des hommes qui rejoignent des points que l’on n’identifie pas vraiment. J’ai finalement décidé d’extraire ces moments-là, me rendant compte que leur juxtaposition était aisée, et que le mouvement créé se déroule de lui-même. On peut ainsi rester plusieurs minutes, à simplement laisser ce mouvement se dérouler, le mouvement qui a inventé le principe cinématographique, le mouvement du galop du cheval de Muybridge, qui permet de transporter l’homme, d’explorer le paysage. Alors aux extrémités de ce mouvement absurde et évident, ce vide évident, il y a bien sûr son adorateur Wittgenstein qui posent les bornes de la grammaire.
Sur une bande son composé intégralement à partir de sons de disques durs cassés, une courte vidéo sur la mémoire et les supports d’enregistrements.
Il y a quelques mois, je tombais sur le lien ci-dessous
Hitachi Global Storage Technologies | Support | Knowledge Base
Sur le site de la société Hitachi, dans la « base de connaissance », on retrouve une rubrique dans laquelle sont mis à disposition des fichiers son (au format wav), des « bruits qui indiquent un disque défectueux ». Ces bruits sont donc par extension les bruits de l’effacement d’une mémoire, celle de ces supports de stockage et donc par extension, celle de nos mémoires digitales.
Ce soir-là, j’ai eu alors envie d’en faire un morceau de musique entièrement composé de sons de disque dur défecteux. Il n’y avait pas d’autres idées sous-jacentes au départ. Le morceau se construit par répétitions et fusions de ces motifs sonores qui sont tantôt laissés dans leur déroulement complet, tantôt tronqués.
En fin d’article, le morceau.
Une fois ce morceau terminé, il m’a semblé finalement que cette histoire de mémoire cassée déclinée sous la forme d’un simple morceau musical pouvait alors s’accompagner d’images. J’ai pensé alors nécessairement à ces plans de films que j’extraie régulièrement depuis déjà plus d’un an sans rien en faire. Muni de l’outil resolume, j’ai assemblé quelques plans traitant du motif de l’enregistrement : le magnéto à bande son, les images en flip-book de John Travolta dans « Blow out« , clin d’oeil sonore faisant référence au « Blow Up » d’Antonioni, Un phonogramme dans « Hiroshima, mon amour« , etc.
Au final, j’ai obtenu une réalisation courte d’à peine plus d’une minute. Rien n’était calculé dans le montage fait « en live », usant à la fois de manipulation manuelle volontaire (avec pour objectif de faire revenir certains motifs) et de processus automatiques. Ce mode de travail est celui que j’affectionne le plus souvent : préparer un matériau composé d’une collections d’éléments préalablement extraits à gauche et à droite, tout le temps, et construire de façon brute (et donc aussi maladroite) un contenu (son ou vidéo) sans calcul, sans pensée scénaristique. Ce mode de travail s’inspire vraisemblablement de mon « passé » de DJ Ambient, où je fabriquait des « paysages sonores » et avait constaté que les mix non préparés (non pensés au préalable) avait une plus grande inventivité.
On trouvera aussi des maladresses dans cette petite réalisation que je me suis refusé à remanier, des signes rappelant nécessairement les productions de VJ (répétitions de motifs, effets de retour, etc.), mais la rapidité avec laquelle j’ai produite cette petite chose (45 min entre la découverte du lien et la réalisation de la forme finale audio/vidéo), montre aussi la possibilité de dériver soudainement une idée, un média (quelques sons de disque durs cassés), en une forme plus finie, personnelle, image d’une réappropriation quasi instantanée du flux. On peut même penser que ce traitement ira encore s’accélérant dans le futur.
(anamnèse, vidéo format MPEG1 (14Mo, compatible tout lecteur vidéo), MPEG2 (90Mo, utiliser VLC) ou MPEG4(4,8Mo))
Présenté le 6 mai 2006, dans le cadre d’une nuit art vidéo au musée d’art moderne et contemporain de Strasbourg, l’installation « abecedaire » (voir aussi ici, et ici) était une expérimentation sur le mode mosaïque. L’installation avait pour objet de tenter de mettre en relation des motifs vidéographiques et cinématographiques extraits à partir d’internet. L’idée était de proposer une nouvelle lecture de la surface des images en juxtaposant des motifs visuels, sorte de lettres-images ou de mots-images, à partir desquelles j’aurais pu construire quelques phrases soudaines. La technique, un logiciel de montage au temps de rendement (rendering) terrible en a décidé autrement. Rattrapé par le temps, par la nécessité d’être en mesure de montrer cette réalisation dans les délais, j’ai dû automatiser, accélérer la réalisation de certains micro-montages, embarquant dans la réalisation des motifs rappelant trop le « flux principal », celui là même dont je souhaitais m’extraire (je dû même laisser deux vignettes en image fixe, ce qui n’était pas mon idée initiale). Il en reste quelques apparitions fugaces qui parviennent péniblement à s’extraire d’une mosaïque rappelant de trop cette mosaïque du bouquet télévisuel connue de tous. Il ne faut jamais essayer de raconter l’histoire du monde, on ne peut raconter que sa propre histoire, et les petits motifs peuvent alors peut-être devenir plus universels. La prochaine fois au lieu de travailler les motifs en profondeur (dans leur déroulement temporel de 2min), j’essaierai de les étaler sur toute la surface des images en faisant se succéder des images analogues sur le plat des murs pour chercher les différences dans les similitudes, pour chercher l’empreinte du même et non sa dissolution.
Dans cette réalisation, chaque case est occupée par un motif qui se répète (correspondant souvent à des recherches ciblées effectuées sur le net ou dans des sites de videoblog comme vimeo.com). Certains motifs (certaines cases) pourtant, plus chaotiques, contaminent les motifs adjacents et leur font perdre du sens ou de la profondeur. La vitesse aussi des plans, les 24 images par secondes au déroulement trop rapide, noient le regard et créent au final un vertige qui ne pose aucune consistance, ou peu. Le maelstrom d’image était évidemment pourtant volontaire (enfermé dans 2 minutes de pur blanc et d’un son infrabasse), le bruit blanc annonçant l’entrée dans le territoire de l’image est trop agréable encore, il aurait fallu soit plus de violence sonore, ou alors au contraire un décalage entre l’ivresse des images (à ralentir?) et l’ivresse du son.
Abecedaire reste donc pour moi un échec, mais aussi un point de réflexion sur le « maniement de la mosaïque », forme de représentation de l’image qui continue de m’interroger, car forme nouvelle et encore peu explorée. Cela encore a t’il un rapport avec le rapport entre taille de projection et taille de l’observateur? Etait-ce trop gros, ou encore pas assez? Il faudra réitérer la chose pour moduler les paramètres.
Abecedaire est téléchargeable en version complète (double-projection juxtaposée) : codec Divx, 60Mo, et les deux volets séparés en qualité broadcast ou web (volet abcdefghi et volet jklmnopqr).
i love art vidéo
7ème édition _ samedi 6 mai 06 de 20h à 24h
au musée d’art moderne et contemporain de strasbourg
entrée libre dans la limite des places disponibles
=> installation vidéo (double vidéoprojection + son)
abécédaire, 2006
claude le berre
entièrement construit à partir d’images et extraits vidéos disponibles sur le réseau internet, dans le domaine public ou sous licence « creative commons », abécédaire est une grille, signe émergeant de l’éclatement de l’image… que ce soit l’image individuelle désormais pixellisée dans sa forme numérique, l’espace urbain criblé de dispositifs de vidéosurveillance ou encore le monde des cultures décliné en mosaïque à travers les bouquets de chaînes de télé numériques… cette profusion dimages disponibles et rendues malléables par les technologies numériques accessibles à tous, offre une prodigieuse possibilité de réappropriation par chacun dune nouvelle forme de langage des images explorant les figures microscopiques et macroscopiques du genre humain… néanmoins, au moment même où semble se démocratiser cette nouvelle forme décriture individuelle et collective, la privatisation grandissante de la culture dont le contrôle tend de plus en plus à se concentrer dans les mains de quelques multinationales des médias, réduit de plus en plus la possibilité
dinstrumentaliser ces matériaux du passé et compromet la créativité de demain.
Tout entier occupé ces temps-ci sur un projet d’installation vidéo présenté au Musée d’Art moderne et Contemporain de Strasbourg dans le cadre de la 7e nuit Art Vidéo proposée par le forum itinérant le 6 mai 2006.
Mon idée de départ était de présenter un mur d’images mosaïques et de laisser tourner sur la durée. Il apparait que la création d’un tel montage vidéo est difficile sans machine extrêmement puissante. Je reviens donc sur une proposition plus courte en durée mais espérons-le, plus percutante sur la forme. Je travaille depuis plusieurs mois sur cette idée d’image mosaïque, constatant que ce mode de représentation se répand de plus en plus dans notre culture visuelle contemporaine, de la visualisation des bouquets numériques, au multifenêtrage informatique. La mosaïque est surtout une méthode très souvent rencontrée dans les travaux de recherche sur l’indexation vidéo, ce qui permet d’étaler sur un seul plan le temps de la vidéo : on peut penser à videologger (de Virage technologies) ou à divers travaux de « résumés » vidéos, ou la vidéo est visualisée sur un seul plan avec des vignettes de tailles différentes en fonction de l’importance des plans déterminées de manières algorithmique. On pense aussi à cette machine, le vesper, dans Blade Runner, ou l’acteur parcoure une image dans sa profondeur et sa largeur pour y retrouver un élément d’indice : c’est finalement dans le miroir de la salle de bain qu’il trouve. A ce moment, Ridley Scott rejoins Van Eyck dans sa fameuse peinture « les époux arnolfini ».
Abecedaire est le nom de cette installation composée de deux vidéoprojecteurs projetant chacun côte à côté une image composée de 9 vignettes de tailles identiques. Ces vignettes présentes différents motifs : montage à base de plan correspondant au mot clé « sea » sur vimeo.com, montage à base de jeux vidéo, montage à base de micro séquences vidéo que j’ai réalisées sur deux ans avec un appareil photo numérique (320×240), extraits de plan de films sur archive.org, etc.
La base temps de chaque séquence est de 10 secondes, temps encore trop long, que je réduirais d’avantage pour trouver le temps idéal correspondant à la fois à un temps suffisamment bref pour ne pas laisser le spectateur « s’installer » dans le motif et sufisamment long pour le laisser re-co-nnaitre le motif. Toujours ce balancement que je recherche et qui est apparait dans la totalité de mon travail, entre l’émergence du motif qui laisse la personne « s’individuer » à travers le motif, et la cassure, la disruption qui doit être ressentie par la brièveté. Il me semble pour repenser à ces histoires de flux et de ruptures, qu’il est maintenant important de casser toujours systématiquement le flux pour laisser apparaitre des brèches qui aident à faire sens parmi le chaos des images et influx.
Paradoxalement, ce mur d’images qui va durer par intermittence 2minutes, contient pendant ce laps de temps une notion de flux, d’engloutissement dans les images, mais je le casse volontairement par des séquences de pur blanc durant autant de temps, 2 minutes (ou plus à déterminer encore).
La partie son va jouer une part importante au dispositif pour renforcer la dimension frontale et engloutissante du dispositif de mur d’images : la séquence mosaïque sera accompagnée d’une bande son forte en volume et fabriquée à partir de iTunes Signature Maker dont je parlais ici il ya quelques temps. Nous aurons donc en quelque sorte une mosaique de motifs sonores empruntés au motifs vidéo. Le son accompagnant le blanc sera un son sourd mais continue, une onde sinusoïdale en basse fréquence, sorte de matérialisation de la couleur blanche en quelque sorte, forme de silence en attente d’une salve nouvelle d’images.
Collections est un montage de séquences extraites de 16 films du domaine public disponibles sur le site archive.org. C’est sur ce même site Web qu’ont été extraits les deux morceaux musicaux principaux présents dans ce film, et diffusés sous une licence Creative Commons.
L’émergence actuelle d’importantes banques d’images fixes et animées et de sons, accessibles au plus grand nombre et réutilisables, permet la réappropriation par chacun de pans entiers d’éléments de la mémoire collective. Les formes que prennent les créations qui s’en extraient (remix, mashups, réécritures) ne sont jamais neutres : elles correspondent en premier lieu à une action d’écriture successive à une extraction effectuée par l’individu créateur. Cette extraction renvoie toujours à une collection intime opéré par un individu. En effet, plus la masse des contenus de ces archives croit, plus l’élément extrait est infime et isolé au sein de cette masse. Cela signifie notamment que la force d’une création, repose dans la force de la projection de celle-ci, qui est totalement lié aussi au mode d’extraction du matériau de départ et à ce matériau lui-même. Collections n’a été rendu possible qu’à partir de l’accumulation d’un nombre conséquent de plans (environ 200) découpé dans un ensemble d’environ 50 films téléchargés.
Conditionné par une grammaire cinématographique des plans et motifs visuels (le matériau présent sur le site archive.org est très territorialisé), le remix s’extrait néanmoins partiellement de son conditionnement par la possible dimension obsessionnelle, non raisonnée, mais néanmoins cohérente de l’extraction des éléments le constituant. Dans le même sens, Chris Marker rappelait, en introduction au CDROM Immemory, l’importance de cette extraction, et ce qu’elle dit sans le laisser percevoir :
« [...] toute mémoire un peu longue est plus structurée qu’il ne semble. Que des photos prises apparemment par hasard, des cartes postales choisies selon l’humeur du moment, à partir d’une certaine quantité commencent à dessiner un itinéraire, à cartographier le pays imaginaire qui s’étend au dedans de nous. En le parcourant systématiquement, j’étais sûr de découvrir que l’apparent désordre de mon imagerie cachait un plan, comme dans les histoires de pirates «
Collection est une expérimentation de la possibilité d’explorer cette terra incognita qu’est la mémoire.
Les sources suivantes ont été sollicitées :
– video –
SafeRoad1935
Phantom of Chinatown
Killers from space
Carnival of Souls
AtomAgeVampire
Scarlet Street
DeathtoW1947
The Man Who Knew Too Much 1934
Daughter of horror
Nightmare Castle
Beat the devil
Passenger 1955
D.O.A. 1949
Isle of Destiny
Heavenly1920
– musique –
Edwin Morris / The heart bowed down
Radio Astronomy
– sons –
Chris Marker / La Jetée
David Lynch / Mulholland Drive
« On sait combien le théâtre est hanté par sa fin et ne cesse de raconter sa clôture depuis la tragédie grecque. La déconstruction de la frontalité scénique, de ladresse langagière, de la narration elle-même naura été que le récit de cette u-topie se remémorant des temps anciens où le peuple se représentait dans lécart entre la scène et le public.
Mais voilà, il reste des lieux, nommés théâtres, trace dune fonction devenue impossible: le peuple manque. Ces lieux ont été désertés, il ne reste ni public, ni acteur, ni récit. Il ne reste plus que le dispositif, un décor vidé: les chaises face à une scène, les coulisses, loges où on se préparait, une entrée et une sortie. »
Très juste, cette remarque de Gregory Chatonsky, qui se transpose également dans l’optique du cinéma, le fameux théatre cinématographique, la salle que les américains nomment « movie theater ». Cela m’a fait instantanément penser à mon obsession des salles de cinéma vidées, obsession qui m’a amenée à créer une collection de salle de cinéma « mortes », mais toujours visibles, et à traquer des traces de ces espaces de vie de naguère, maintenant bientôt supplantés par les dispositif 5.1 et les vidéoprojecteurs, car au final les multiplexes ont simplement voulu poursuivre l’idée de ce lieu, même s’ils ont fait résonner encore plus fort les bulles de soda et les craquements de pop-corn.
Cette obsession m’a aussi menée à écrire un scénario de film pour lequel j’ai aussi il y a quelques temps cherché des financements, et sur lequel je n’ai pas retravaillé, car les projets parfois n’aboutissent pas… Ce film devait s’intituler, ou s’intitulera si je le réalise : « devant la recrudescence« . Il s’agit d’un projet multiforme, où des projections sont recréées in situ, dans des cinémas délabrés, des projections de générique de fin, qui ne font que dire fin, the end, ende, fine. C’est donc un mélange entre fiction et performance.
Cette obsession encore, enracinée dans mon amour du cinéma, me mène à systématiquement collecter tous les plan finaux de films contenant le mot ‘fin’ que je peux trouver, pour ne fabriquer qu’un seul et unique film composé simplement de plan final avec le mot fin.
Travaillant sur ce projet depuis déjà plus d’un an, j’ai pu constater des choses assez intéressantes :
superformances : 2ème édition
du 14 au 17 octobre 04
superformances
festival européen de performances
2ème édition
l’aire de jeu est un souk !… Il y a là pêle-mêle des ventilos, des sacs plastiques, des livres, des télés, des radios, des journaux, des rubans de bandes audio et vidéo débobinées… collages et mixages de mots et logos, sons et images fabriqués in situ, tout à la fois en mode rudimentaire et à partir de logiciels libres (framestein, pure data…), stimulations, saturations, combinatoires de signes et signaux acoustiques et visuels, ciseaux, agrafes et autres rubans adhésifs constituent les matériaux et matériels de ce palimpseste manifeste contre la production accélérée d’une pensée unique avant tout mass-médiatisée… mots et images s’avèrent chaque jour un peu plus dégradés, dégradables… face à la force de l’image qui nous regarde la regardant, le sens du mot disparaît dans sa propre saturation d’usages… georges cazenove et claude le berre conjuguent ici les verbes couper / copier / coller au présent juste indicatif, histoire de re-fabriquer des images composites où apparaissent des fragments, extraits du superflux d’informations globales, mêlés à d’autres traces plus locales… ils travaillent à la recomposition de liens entre ces matériaux, en les re-modelant, en les transformant manuellement ou aléatoirement; en tissant des relations entre mots et images, global et local, sens et non-sens, disruption et continuité…